Impresionismo Topshop

Topshop es de las que parece que no pero está ahí, creciendo disimuladamente con algo más que un low cost (que tampoco lo es tanto) cualquiera. Las inspiraciones de topshop vienen de lejos, pero este año no son las últimas. Los estampados más extremos se mezclan hoy con el estilo más vintage. Las flores y paisajes inundan el decorado. Es por eso que son varias las firmas que han hablado este año en lenguaje impresionista, y es que los cuadros de Monet les vienen como anillo al dedo para sus creaciones con colores pasteles llenas de naturaleza.

Aunque Claude Monet fuera un transgresor en su época, saliéndose con su pintura de las normas que la Academia establecía, a día de hoy los nenúfares y los paisajes bucólicos nos transmiten más ternura que transgresión. Quizás es por eso también que las prendas presentan entonces formatos más extramados, como las faldas tubo o los tops palabra de honor.

Aún así, la tendencia de quedarse en Monet empieza a ser recurrente y puede empezar a cansar. Las flores saturan el paisaje y convierten en todos los estampados iguales, perdiendo así la innovación y la perspicacia de pensar en un artista para crear una colección. ¡Hay más artistas en el 1800, por Dios!

Lunes alla moda: Bobo choses and the bag

Venida del REC hoy os presento la nueva bolsa de BoboChoses una firma de ropa infantil llena de diseños alternativos y diferentes. Aunque su principal público son los niños, Bobo Choses también tiene un espacio dedicado a la Home y a los adultos. El bolso de fieltro de búhos se vino conmigo : )

Estamos locos o Martin Margiela en HM

Martin Margiela en HM es como sumar peras y manzanas. Sin duda cada vez que aparece una nueva colección en colaboración con HM nos supone un shock. Desde la última que sabíamos, Anna DelloRusso, ex directora de Vogue Italia, que lanzará en octubre su colección de accesorios, a la que no tiene nada que ver: Maison Martin Margiela.

La noticia apareció ya hace tres días, pero seguimos intentando integrarlo en nuestras pobres cabezas que intentan ordenar conceptos y que no pueden mezclar conceptos como HM y Margiela. Aún no estamos preparados. (O ¿qué le está pasando a Margiela, se estará humanizando y empezando a vivir como el resto de mortales?)

Desde el punto de vista de la firma, hay que decir que no se entiende. Martin Margiela es una marca de culto, una marca que transmite valores (distintos al resto de marcas) y que es sin duda más próxima a marcas con un lenguaje específico, marcas que se salen de la norma, que a firmas como HM. Maison Martin Margiela se crea junto con la propietaria de la tienda Comme des Garçons en Bruselas, en 1988, y desde entonces no ha parado de enfatizar su lado más alternativo.

Resulta curioso que se defina como un opuesto a la moda y a su sistema, buscando así una forma alternativa de comunicarse. Costuras y forros a la vista, pinzas en los codos y rodillas, una estética que no deja indiferente. Busca un estilo que cuestiona todo el mundo de la moda, que lo transfigura y crea un estilo sin precedentes.

La deconstrucción de la pieza es otro punto que trabaja MMM, un concepto más cercano al arte que a la moda, junto con su trabajado concepto de arquitectura.

Es curioso saber que a partir de los 90s, Maison Martin Margiela desapareció: desapareció de la prensa y los medios, se hizo invisible, no concibiendo entrevistas ni hablando sobre sus desfiles. Su firma se hizo así visible siendo invisible, destacando, ofreciendo algo nuevo y original: provocando.

Su valor? Cada prenda es única, los accesorios trabajados a mano durante 3/4 días en su taller de parís y las ediciones son limitadas (cada mes). Conceptual conceptual conceptual.

¿Alguien puede decir cómo encajan todos estos valores en una firma como HM? En fin, cada uno en su casa se lo sabe!

Lo que por ahora sabemos es que la colección estará disponible a partir del 15 de noviembre en más de 230 del mundo, y tendrá ropa de mujer, de hombre y accesorios.

Y lo que es a día de hoy la única foto de Martin Margiela !

Tales on Saturday: death’s alive.

No sé si hay vida después de la muerte, pero lo que hay es muerte en la vida. Ahora que tan de moda están las series y películas de zombies después del gran éxito de The Walking Death… Me pregunto quién sería capaz de identificar a un muerto en vida, si nos lo encontráramos por ejemplo en medio del Paseo de Gracia. Esto le pasó a mi amiga Florine, cuando paseando por el centro tranquilamente, se encontró con un tipo muy raro que parecía sacado de otro mundo. C

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hocaron. Intercambiaron miradas. Cenaron. Se acurrucaron. Despertaron. Al amanecer, el hombre no estaba. Su silueta se seguía marcando en la cama y sus prendas de ropa quedaron allí, tumbadas, como si ellas fueran él y eso fuera todo lo que hubiera existido.

*En sus creaciones, Carol Christian Poell utiliza la excentricidad, la extravagancia. Utiliza materiales fuera de lo común: desde sangre a pelo humano, transgrede las normas, juega con sus formas de estalactitas en las suelas de sus zapatos, goma que se derrite, y piel.

Os recomiendo mucho una visita (será breve) a su página:

http://www.carolchristianpoell.com/

a-couple a la hora del café

El otro día tuve la oportunidad de conocer a-couple desde su interior: en su taller, Núria y Laia preparaban su próxima colección. Os dejo con mi post para itFashion, que podéis leer clicando aquí y algunas de las fotos que les hice. : )

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Cerámica & tendencia: buscando caminos

Empezó el viernes 9 y se puede visitar hasta hoy; es el Festival del Bol que se expone en el Museo de Cerámica de Barcelona, en el Palau Reial de Pedralbes.
No es una exposición de tejidos, ni una exposición de colores, pero la muestra del arte contemporáneo de cerámica nos habla con los mismos términos que los que utiloza la moda: el detalle cuidado, piezas que casi parecen tejidos de encaje, blancos y colores turquesa son los que dominan en la exposición. Algún estampado estilo japonés y colores muy contrastados.
Quizás arte y moda no van siempre de la mano, pero desde luego aquí va otra muestra más de que los campos artísticos se unen y se encuentran a pesar de caminar cada uno hacia una dirección distinta.
Además en el mismo palacio se puede visitar el Museo del textil de Barcelona, así que es un buen día para venir de visita.

Para llegar: Metro L5 Palau Reial (mapa).

news. itFashion

A partir de este mes he empezado a colaborar con la revista online itFashion! Hablaré cada semana de un tema de moda relacionado con el arte, y podréis encontrar los textos cada miércoles itFashion es una revista de moda, arte, fotografía y cultura escrita en español con residencia en Barcelona, pero los temas que trata son internacionales y siempre apunta por la más pura actualidad.

Aquí os dejo con mi primer artículo para it. http://itfashion.com/itdiary/arte-y-parte-cubismo-arzuaga/

Pantone histórico: el azul.

Ya lo hicimos con el negro, y hoy le toca al azul. En vista del gran éxito de La dama de hierro, con Meryl Streep interpretando a Margaret Thatcher, y del color azul de sus vestidos que tanto han dado que hablar, vamos a hacer un resumen de lo que ha representado este color a lo largo de la historia.

Imagen de la película The Iron Lady

El estudio que Michel Pastoreau hizo acerca de la psicología del color azul nos ayuda. De la Grecia y Roma Clásicas, en donde el azul era un color casi desagradable, hasta el día de hoy, que el azul es el color favorito de los europeos, algo ha tenido que pasar. Pues bien, el azul es en la actualidad uno de los colores que más se emplea en símbolos de organizaciones de ámbito nacional, como las Naciones Unidas, la Unesco o la Unión Europea. Esto en primer lugar.

En segundo lugar cabe resaltar el papel de su eterno rival: el rojo. Desde la época romana, en la industria textil, el rojo ha sido muy popular. La tinta grancé, de color rojizo, era más resistente al lavado y al sol, hecho que la convirtió en pionera hasta el punto que las palabras “colorear” (coloratus) y “rojo” (ruber) fueran sinónimas.

A partir del s.XI aproximadamente, el azul empieza a buscar su lugar en la sociedad occidental. Uno de los motivos es la Virgen María, que si hasta entonces se había asociado con el luto por la muerte de Jesús, (predominando así los colores negros, grises y los tonos más oscuros), en esta época se empezará a asociar en el azul, también gracias a la importancia de las mejoras del pigmento. Así que las clases más influyentes de la sociedad (véase los reyes franceses) adoptaran este color. Y de aquí a que el azul sea el color del emblema nacional.

Bolso de Margaret Thatcher. Azul elaborado en cuero, a medida. Anya Hindmarch.

 Es así como a partir de esta época y en los lugares de una mayor influencia del protestantismo donde el azul empieza a ser el color por excelencia. Un ejemplo: los pantalones vaqueros, originarios de la región del Languedoc. O el caso del judío Levi Strauss, con su modelo de éxito rotundo: sobrio, discreto y utilitario.

Discurso. Margaret Thatcher

Y todo esto para decir que la señora Thatcher nos abre un armario repleto de prendas azules pero dicho de otra forma y desde otro punto de vista. Es cierto que hoy el azul se relaciona con la paz, la tranquilidad, lo espiritual y lo romántico (también en la música blues: melancolía o tristeza). En otras disciplinas vemos también la obra de Yves Klein, marcada por el monocromo de un azul también muy Thatcher: dinámico, fuerte, seguro.

Imágenes de la obra de Yves Klein

La dama de Hierro o la dama de azul, sea como sea ella nos muestra el lado más combatiente de este color, dotándolo de fuerza y de voz, desde los tonos más claros hasta los más fuertes y agresivos. Dejamos de lado la política, lugar donde rojos y azules siguen compitiendo, y nos quedamos hoy sólo con el azul más artístico.

Siguiendo a Brodovitch

El pasado martes 7 de febrero, pudimos contar en clase con la presencia de Joan Manel Jubany, maquetista en la revista Woman, que nos hizo ver una historia del fotoperiodismo y dirección del arte que di solito desconocemos. La historia de “los grandes”, que Jubany empezó con Brodovitch, fue el hilo conductor de la sesión. Nos centraremos también aquí en Brodovitch intentando ir más allá en el mundo del periodismo: ¿quién hay detrás de este arte que cambia a gran velocidad?

Alexey Brodovitch (1896-1971) nació en Rusia aunque ya de joven se instaló en París, lugar que marcó profundamente su carrera. Los primeros años 20 que vivió en París, años en que la ciudad era el centro de las vanguardias artísticas, Brodovitch bebió de toda la inspiración que le era cercana.

Con su formación y contaminado por el arte parisino, viajó a Nueva York, convirtiéndose así en difusor del arte europeo en Estados Unidos. Brassai, Man Ray, Hiro, Henri Cartier-Bresson o Irving Penn fueron algunos de sus colaboradores, hecho que nos muestra su gran capacidad para promocionar a estos grandes artistas, para escoger lo mejor de entre lo bueno.

¿Qué caracteriza a Brodovitch? Si se convirtió en un gran maestro y director de arte, además de diseñador y fotógrafo, no fue sólo por su capacidad de difusión de artistas geniales. El método de trabajo característico de Brodovitch marcó un estilo, creó sus propias reglas.

- El uso del blanco. Esta fue una de sus grandes marcas de personalidad. Algunos lo han interpretado como una añoranza del paisaje ruso, de los orígenes del creador, pero es cierto que el blanco es el color que lo define: páginas limpias, claras, sin saturación de contenido, muy visuales, muy suggerentes…

- Efecto espejo. Al contrario de lo que se había hecho hasta entonces, Brodovitch empieza a maquetar a partir de la fotografía: inventa un nuevo mundo en cada artículo donde transmitir es lo más importante.

- Más allá de la fotografía. Un nuevo enfoque a la fotografía, una nueva visión. Pero ¿cómo ir más allá de la fotografía misma sin salir de ella? Algunos ejemplos son por ejemplo las fotos quemadas, para representar las tonalidades de una temporada, o un nuevo formato de imagen: imágenes a sangre, sin dejar borde blanco en el papel.

- Visión cinematográfica. El ritmo, la variedad, y la sorpresa serán tres factores claves para Brodovitch, que entendió la revista con una visión cinematográfica.

Un estilo elegante, con una gran simplicidad y austeridad, éste sería el mensaje de Brodovitch. Como director de arte que ejerció también de pedagogo, transmitió sus conocimientos y su sensibilidad a sus alumnos, y fue de gran inspiración para muchos otros jóvenes artistas. Su trabajo más significativo fue en la revista Harper’s Bazaar en unos años 50 en que hasta la gran Vogue se inspiraba en ella.

Así que la historia de uno de los primeros y más influyentes directores de arte, se basa en la observación de los artistas de su época, de aprender de su alrededor, de su gran imaginación y sensibilidad, y se convierte en un referente a seguir. Pero la pregunta es, ¿Deberíamos seguirlo a él o a su método? Según Joan Manel Jubany, a pesar de tener a nuestro alcance grandes libros de grandes diseñadores, no hay nada mejor que salir a la calle, ver todas las exposiciones que podamos, e impregnarnos del arte que nos rodea. ¡Los grandes serán para contemplarlos…!

Algunas de sus producciones:

Post escrito para el blog: http://sichanellevantaralacabeza.blogspot.com del Postgrado de Comunicación y Periodismo de Moda del Idec, UPF.

cuento n.1: Prada

Prada o el Nylon a precio de oro.

Érase una vez Prada, una marca que nació con el nombre de “Fratelli Prada” 1913. Mario Prada, artesano del cuero, abrió en  Milán su primera tienda, y la llevó hasta que en 1978 Miuccia Prada, su nieta, se conviertió en una de las personas más influyentes del mundo de la moda así: por casualidad. Nacida en 1949, licenciada en ciencias políticas, comunista activista y coleccionista de YSL, Miuccia dio un giro de 360º a la marca de “casa bien” que había sido Prada hasta entonces. De acuerdo con Patrizio Bertelli, con quien más tarde se casaría, empezó en 1977 a producir bolsos y accesorios. Ambos se convertirían en una pareja inseparable de diseñador+gestor, como tantas otras.

Miuccia Prada en sus desfiles

Miuccia fue la rebelde de la familia, la niña bien que quiere salirse de la norma, y empezó rompiendo con todo y todo lo que era Prada en un inicio: la piel. En lugar de trabajar con pieles, su primer gran invento fue la mochila de nylon, con un toque deportivo y militar, que fue vendida a precio de piel, transgrediendo así el concepto del lujo que había hasta entonces; como Chanel hizo a su manera, riéndose un poco de la gente rica que solo quería aparentar y demostrar lo que era.

Mochila de Nylon de Prada

Así fue como el nylon se fue conviertiendo en su arma de trabajo, hasta que en 1985 salía toda la línea de sencillos bolsos, lisos, conocida como la línea vela. Se estaba creando un nuevo concepto de bolso: ligero, con la marca bien visible y bien confeccionado. Cómodo y práctico más que ostentoso. Miuccia inventó el lujo del s.XXI, el nuevo lujo, afirmando “No me gusta el buen gusto, no me gusta lo bello”: reinventando en concepto de lo feo, el culto a la fealdad y a lo intelectual; lo que está más allá de la moda.

Miuccia siguió con calzado, estrenaría en 1989 su colección minimalista, contraria a la moda de la época y siguiendo las bases de la corriente artística que lleva éste mismo nombre, y en los años 90 se mostraría a favor de la falda por debajo de la rodilla: Anti-Versace, anti-Cavalli, anti-sexy y con un toque mongil muy fuera de contexto.

En 1993 empezaría con Miu Miu, su segunda línea aún hoy muy querida por sus seguidores, en 1993 con el Prêt-à-Porter masculino y en 1997 con Prada Sport. Su gusto de “lo feo” fue sin embargo lo que hizo y aún hoy hace que Prada no sea ni vaya a ser nunca una marca muy comercial, sino una marca reservada a unos cuantos, a quienes ven más allá.

Miu Miu Cruise Collection 2012

Solo después de estrenar Prada Beauty (que solo se vende en Japón) y Prada Occhialli, Miuccia se decidió a lanzar el perfume (con el grupo Puig) en 2004; dejando para lo último aquello que las otras marcas invierten en primer lugar y es venta asegurada, pero que sin embargo para Miuccia era demasiado vulgar y común.

Prada no inventa nada, reinventa el feísmo. La mezcla de estilos de las distintas décadas del s.XX y sus esperados estampados en cada desfile, hacen de ella una marca dirigida a un público para quien la moda no es su centro principal de interés: hace falta concebir la marca y entenderla en su totalidad, o te pierdes por el camino. Es una diversión que requiere un esfuerzo intelectual, una sofisticación trendy, alternativa y ultrachic que hacen de ella un caos estilístico y visual.

 

Para su publicidad, Prada utiliza actores de segunda fila como Tim Roth o Norman Reedus; personajes que el público no conoce a simple vista y necesita de una descodificación intelectual para entender lo que nos estan transmitiendo.

Tim Roth for Prada

Pero Miuccia no se queda aquí, y la moda se mezcla con el arte y la arquitectura más contemporáneas: los epicentres Prada no son simplemente tiendas, son generadores de experiencias, nos transmiten algo y se visitan como un museo. Las exposiciones como la de faldas con formas naturales, o la instalación artística en Marfa, Texas, en forma de tienda en medio del desierto (que aún se puede visitar) son algunos de los conceptos que la marca nos transmite, mostrando así su lado más transgresor y artístico, más “pasado de moda” y más actual a la vez.

Prada Marfa, desierto de Texas